Un aquarelliste qui s'est tourné vers les huiles de vision héroïque

Fouillez l'histoire de l'art américain, et vous découvrirez peu d'aquarelles plus belles que celles de Charles Demuth. Mêlant observation botanique exigeante et abstraction vaguement cubiste, ses aquarelles de fleurs, de fruits et de légumes ont une vivacité magique et une sensualité presque choquante.

Les aquarelles étaient faciles pour Demuth (1883-1935), et cela ne faisait pas de mal que les collectionneurs les attrapent facilement. Mais à son époque, les aquarelles étaient considérées comme une forme d'art mineure ; s'il devait faire sa marque en tant qu'artiste moderne, croyait-il, il devait faire quelque chose de plus difficile ?? quelque chose de plus grand, de plus audacieux et de peinture à l'huile.

Ainsi, dans les années 1920, Demuth a commencé à peindre à l'huile, et en 1927, alors qu'il avait la quarantaine, il s'est lancé dans ce qui s'est avéré être sa dernière campagne : une série de sept peintures sur panneaux représentant des bâtiments d'usine dans sa ville natale, Lancaster, Pennsylvanie.



Six de ces peintures sont mises en évidence dans Chimneys and Towers: Late Paintings of Lancaster de Charles Demuth, une magnifique exposition très ciblée au Whitney Museum of American Art. Elles ne sont pas aussi merveilleuses que ses aquarelles florales ?? quelques-uns d'entre eux sont également dans le spectacle ?? mais les huiles ont un éclat saisissant.

L'exposition a été organisée par l'historienne de l'art Betsy Fahlman pour le musée Amon Carter de Fort Worth, où elle a été présentée l'été dernier.

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Bien que les peintures de Lancaster ne soient pas grandes par rapport aux normes d'aujourd'hui ?? le plus grand mesure 2 ½ pieds par 3 pieds ?? ils projettent une échelle monumentale et une vision héroïque. Dans chacun la vue est vers le haut. D'énormes bâtiments en briques du XIXe siècle, des cheminées cylindriques élancées, des châteaux d'eau en forme de fusée et un silo à grains en béton géant se profilent dans un ciel bleu ou gris.

Travaillant dans un style qui a fini par être appelé Precisionism, Demuth a peint à l'intérieur de lignes de crayon qu'il avait incisées dans des panneaux de fibres de bois. En plus de définir les objets dans une composition, les lignes traversent les images en diagonale comme des rayons lumineux, créant des motifs cristallins à facettes rehaussés par des changements de couleur et d'ombrage. La tension entre la solidité architecturale et la fracturation cubiste dans ces œuvres crée un dynamisme futuriste, tandis qu'un examen attentif révèle leurs surfaces somptueuses et satinées.

Hormis le passage occasionnel du jaune, les principales couleurs utilisées sont le rouge, le blanc et le bleu. Considérant qu'un tableau s'appelle And the Home of the Brave et qu'un autre tire son titre, After All, d'un poème de Walt Whitman, la série peut être considérée comme une sorte d'hymne aux États-Unis. C'était une époque où les modernistes américains embrassaient des thèmes autochtones et célébraient les réalisations américaines dans l'industrie et l'ingénierie.

Aujourd'hui, la romance industrielle de Demuth semble plus pittoresque qu'inspirante. Mais d'autres émotions moins manifestes ajoutent à l'aura de la série.

Au fil des années, Demuth a travaillé sur les peintures de Lancaster, il souffrait de diabète ?? si sévèrement que pendant de longues périodes il fut incapable de peindre. L'insuline a commencé à être utilisée en 1922 comme remède contre cette maladie, et Demuth faisait partie de la première vague de patients à être traités avec le nouveau médicament. (Dans son essai dans le catalogue de l'émission, Mme Fahlman révèle que le Dr Albert C. Barnes, le collectionneur d'art qui a créé la Fondation Barnes en dehors de Philadelphie, a contribué à aider Demuth à obtenir les meilleurs soins médicaux.)

Mais l'insuline n'a pas suffi à sauver Demuth. Il acheva After All, le dernier tableau de la série, en 1933, et il mourut deux ans plus tard à 51 ans. Connaître les circonstances dans lesquelles les peintures de Lancaster ont été réalisées donne à leur imagerie héroïque un caractère très personnel.

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Crédit...MUSÉE AMON CARTER

Il y a aussi l'histoire de la vie de Demuth en tant qu'homme gay dans le New York bohème, où il a passé beaucoup de temps sans jamais quitter définitivement la maison d'enfance de Lancaster qu'il partageait avec sa mère.

Parmi les œuvres les plus délicieuses de Demuth figurent des aquarelles souples et caricaturales qui représentent des hommes ensemble dans des situations sexuellement chargées. Deux exemples relativement modestes sont inclus dans l'exposition Whitney, accrochés dans une pièce séparée avec quelques aquarelles de fleurs, une aquarelle d'artistes trapézistes de cirque en action et un portrait photographique déchirant d'un Demuth émacié par son marchand new-yorkais, Alfred Stieglitz. Telle que configurée par l'assistante curatoriale de Whitney, Sasha Nicholas, cette petite pièce révèle un côté tendre et personnel de Demuth qui reste caché parmi les paysages d'usine relativement impersonnels de la pièce principale.

Dans son essai, Mme Fahlman spécule que malgré les attitudes sexuelles plus libérales qui prévalaient parmi les artistes d'avant-garde américains, Demuth aurait pu se sentir marginalisé par le monde de l'art principalement hétérosexuel. Si c'est vrai, cette interprétation jette les peintures de Lancaster sous une autre lumière intrigante.

Vous pourriez lire la série comme une tentative de Demuth de se débarrasser de tout stigmate d'effémicité qui aurait pu accompagner sa carrière d'aquarelliste et de spécialiste des fleurs. Certes, les tableaux de Lancaster représentent une ambition que ses critiques de l'époque auraient favorablement considérée comme plus virile.

Après avoir entretenu cette notion, vous reconsidérez ces châteaux d'eau et cheminées indéniablement phalliques. A quoi pensait Demuth ? Marcel Duchamp était son bon ami ; Les idées de Freud sur les significations possibles des objets inanimés étaient dans l'air. Demuth aurait-il pu ignorer l'urgence impérieuse de ses photos ?

J'aime penser qu'il s'amusait un peu avec les attentes de son époque, qu'il se disait : Ils veulent des tableaux virils. Je vais leur donner des tableaux virils ! Ce qu'il ne pouvait s'empêcher de faire, c'était de les rendre belles.