Petit peut être beau, mais en ce qui concerne la peinture abstraite, elle est rarement à la mode. Big a occupé le devant de la scène au moins depuis Jackson Pollock; les petites abstractions de peintres comme Myron Stout, Forrest Bess et Steve Wheeler sont pour la plupart reléguées dans les coulisses, là pour être considérées comme excentriques ou trop précieuses. Paul Klee était sans doute le dernier génie de la petite abstraction à être membre à part entière du canon moderniste.
Mais ce qui est marginalisé peut aussi devenir une forme de dissidence, un moyen de contrer les arguments dominants et de contourner leurs pièges. Il est difficile, par exemple, de travailler petit et de se livrer au degré ahurissant de spectacle qui afflige tant d'art aujourd'hui. À une époque de surabondance et de gaspillage sur tous les fronts, la compression et l'économie ont un attrait indéniable. Et si une grande œuvre d'art est une œuvre essentielle dans toutes ses parties, qui n'a rien de superflu ou qui peut être soustraite, travailler petit peut améliorer les chances.
Les petites peintures de type abstrait ont un moment en ce moment à New York, avec une exposition lumineuse au New Museum of Contemporary Art mettant en lumière l'œuvre tordue et minutieusement travaillée du peintre allemand Tomma Abts ; et PaceWildenstein présentant à Chelsea les derniers efforts de James Siena et Thomas Nozkowski, deux grands américains plus âgés de l'abstraction sous-dimensionnée. Même le modernisme d'après-guerre pourrait être un peu réduit, avec une exposition intitulée Suitcase Paintings: Small Scale Abstract Expressionism qui ouvrira le mois prochain au Baruch College.
Quatre jeunes peintres qui embrassent la petitesse ont maintenant des expositions personnelles ?? trois d'entre eux font leurs débuts à New York ?? qui remettent en cause l'importance de la grande toile.
Les petites abstractions évitent la longue tradition réaliste de la peinture en tant que fenêtre, ainsi que la plus courte tradition moderniste tardive de la peinture en tant que mur plat. Au lieu de cela, ces œuvres plus petites s'alignent sur des conventions moins vantées (et parfois moins masculines) : la page imprimée, les manuscrits enluminés, les icônes et les plaques.
Et pourtant, comme chacune de ces quatre expositions le démontre, l'abstraction permet une exploration sérieuse du processus malgré le peu d'espace. Cela augmente le plaisir déjà considérable de regarder des peintures qui ne sont pas beaucoup plus grandes que votre tête.
ImageScott Olson
Les géométries intensément improvisées des peintures de Scott Olson, vues lors de ses débuts à New York chez Taxter & Spengemann à Chelsea, évoquent l'illumination du manuscrit filtrée par le constructivisme et d'autres styles abstraits. Ses couleurs ont une subtilité rétroactive légèrement édulcorée ; souvent, ils sont translucides, pour révéler les décisions complexes et les processus élaborés contenus dans chaque œuvre.
Différents supports physiques (toile, panneau de fibres, bois fortement gesso) compliquent davantage les processus de M. Olson. Dans Sans titre (N. 7) et Sans titre (N. 32), l'enregistrement et la réenregistrement ont laissé des éclats de couleur vive qui se détachent comme de petites ruines sur des gris et des noirs absorbants. Dans Sans titre (N. 31) et Sans titre (N. 8) les formes sont posées dans de fines glaçures aux textures fines et variées, créant des chambres d'écho de formes qui suggèrent des bijoux facettés, aplatis.
M. Olson veut clairement faire des peintures dont la petitesse n'exclut pas de trouver quelque chose de nouveau à chaque fois que vous regardez.
Katy Moran
Les petits tableaux de la première exposition new-yorkaise de Katy Moran, chez Andrea Rosen à Chelsea, s'inscrivent dans une autre tradition ?? le croquis à l'huile en plein air. Mais elle transforme sa toile, qui mesure toujours 15 par 18 pouces, en une toute petite arène dans laquelle agir. Son travail au pinceau fougueux crée un sens du geste et du mouvement presque comique, comme si un artiste lilliputien à l'ambition démesurée se précipitait, distribuant des profusions de boucles de plumes et de lignes de peinture tranchantes.
Ces marques s'ajoutent fréquemment à de petits ensembles rococo qui impliquent eux-mêmes des figures pressées ?? des échauffourées et des escarmouches entre des êtres se déplaçant trop vite pour être identifiés. Il peut s'agir d'humains (voir le rouleau horizontal de Meeting in Love), d'oiseaux (la confrontation de Pecking Order) ou d'un tout autre animal (Orton). Ou ils peuvent être rien de la sorte.
Les pics jumeaux marron sur mauve de Hoopers Retreat suggèrent une cabane pavée, avec Hooper comme point rose en son centre. Parfois, des notes de marines ou de natures mortes émergent de la confusion.
Les couleurs de Mme Moran, en revanche, sont réservées et teintées de lumière : une large gamme de gris délicats, de bruns mauves, de bronzage jaunâtre et une variété de blancs qui maintiennent l'action de la peinture distincte. Leur but semble être de donner un air de dignité aux débats, mais c'est le tumulte, suspendu dans l'air, qui prévaut.
Matt Connors
Les couleurs s'éclaircissent et la géométrie revient dans Enjambment, l'exposition séduisante de Matt Connors à la galerie du centre-ville du Canada, où ses compositions carrées sont construites à partir de planches ou de rubans de teintes contrastées.
Le travail de M. Connors peut parfois s'aventurer vers une taille moyenne, du moins par rapport aux trois autres artistes. Le cubisme de la troisième vague (sans toucher), par exemple, mesure 34 par 36 pouces ?? mais c'est une exception. Comme son titre l'indique, le modernisme est beaucoup dans l'esprit de M. Connors. Le quadrillage, le monochrome, le minimal, le concentrique et le parallèle reçoivent tous un clin d'œil, mais aussi un clin d'œil. Mais lorsqu'elles sont abondantes, ses couleurs sont festives et un peu bon marché.
Il y a ici une seconde main joyeuse, un sentiment de vagues appropriations et de sources anonymes au travail. Et l'abstraction est considérée comme une sorte d'objet. Une œuvre sans titre fait flotter un carré noir bordé de vert sur du lin brut : ce n'est pas tant une peinture abstraite qu'une peinture d'un.
Et la petitesse n'exclut pas l'art de l'installation. Les motifs de Reading Room sont en fait peints sur deux toiles différentes, une plus petite appuyée contre une légèrement plus grande, toutes deux assises sur une étagère étroite encastrée dans le mur. Une autre œuvre, dont les voiles sombres évoquent la peinture Color Field, est accrochée à un rectangle noir peint directement sur le mur.
Michaela Eichwald
Michaela Eichwald est originaire de Cologne, en Allemagne, où la peinture abstraite est dans un mode déviant fructueux depuis près de deux décennies, grâce à des artistes comme Jutta Koether, Michael Krebber et Kai Althoff. Les débuts de Mme Eichwald à New York au centre-ville de Reena Spaulings Fine Art s'intitulent Ergriffenes Dasein: Artist Writer Mentalist. (Le communiqué de la galerie traduit la première phrase par Moved by Life.)
Le travail de Mme Eichwald poursuit la déviation mais la pousse dans une direction de son choix. Il y a une qualité de hasard à la fois dans ses peintures et dans la poignée de petites sculptures qu'elle montre : elles incorporent souvent des objets ou des images trouvés et dégagent un air extérieur. La laque est un matériau fréquent, ce qui signifie que les couleurs sont riches et que les surfaces tendent vers le brillant, évoquant les plaques de céramique ou cloisonnées.
L'imagerie de Mme Eichwald s'oriente vers un expressionnisme ludique, vaguement figuratif. La surface principalement violette et craquelée de N.Y.C. abrite un visage aux grandes dents turquoises. C'est peut-être presque une assiette de Picasso. Certaines fonctionnalités ?? comme la tache brune retouchée de rouge dans Struck ou le A majuscule et l'arbre calligraphié de A-Abre, encadré de rose, rouge et bleu ?? qualifié de néo-expressionnisme, mais ils ajoutent une autre couche de conscience de soi en réduisant le style à une taille gérable. Il illustre l'une des nombreuses joies des petits.