Quatre spectacles enrichissants à Philadelphie

Sans titre (Homme assis), une œuvre de Norman Lewis de 1933.

PHILADELPHIE — C'est rarement un meilleur moment que maintenant pour un voyage à Philadelphie, où quatre des principales institutions artistiques de la ville présentent des spectacles exceptionnellement enrichissants, chacun ayant sa propre particularité. le Académie des beaux-arts de Pennsylvanie propose une rétrospective complète de la carrière de Norman Lewis, la première exposition de ce type à être consacrée à ce peintre moderniste afro-américain et qui invite les spectateurs à considérer la place de M. Lewis dans l'histoire de l'art du pays. Éblouissant les yeux et intriguant l'esprit, le Musée d'art de Philadelphie présente deux siècles de peintures et de sculptures américaines de natures mortes, des images d'oiseaux et de mammifères de John James Audubon aux boîtes Brillo d'Andy Warhol. le Fondation Barnes a une présentation étonnante d'œuvres antiques extravagantes en fer forgé provenant d'un musée français, y compris des heurtoirs de porte avec des visages démoniaques et des moulins à café qui semblent avoir été imaginés par un artiste steampunk. Et le Institut d'art contemporain à l'Université de Pennsylvanie présente une exposition personnelle d'œuvres délicieusement décalées de l'artiste new-yorkais autodidacte Christopher Knowles.

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Crédit...Succession de Norman W. Lewis; Collection de Raymond J. McGuire, New York, Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

En 1971, Norman Lewis (1909-1979) a créé une peinture intitulée Part Vision qui résume à bien des égards sa carrière distinguée. Entièrement réalisé dans des tons de bleu sur une toile d'un peu plus de sept pieds de large, il représente dans la moitié inférieure un fouillis de formes semi-abstraites silhouettées suggérant une foule de manifestants portant des pancartes. Planant au centre au-dessus dans un vaste espace bleu pâle et marbré, se trouve une forme mystérieuse ressemblant à une bouche désincarnée, d'où pourrait sortir un discours transcendantal résolvant tous les conflits représentés par les figures agitées ci-dessous.



Présentée comme la première rétrospective complète du travail de M. Lewis, Procession: The Art of Norman Lewis examine la carrière d'un artiste afro-américain qui croyait au pouvoir de l'esthétique spiritualisée - plutôt que de l'imagerie didactique ou propagandiste - pour élever, étendre et transformer conscience humaine collective.

L'exposition montre M. Lewis débutant comme réaliste social dans les années 1930, mais au cours de cette décennie, il a déjà révélé un sérieux intérêt pour l'abstraction avec une peinture intitulée Fantasy (1936), qui ressemble remarquablement à une œuvre de jeunesse de Kandinsky. À partir du milieu des années 40, M. Lewis a largement supprimé de son travail l'imagerie figurative. S'appuyant sur le cubisme, l'expressionnisme et l'automatisme surréaliste, il crée des œuvres suavement improvisées qui jouent avec les traits et les coups de pinceau gestuels dans des espaces lumineux et atmosphériques.

En dehors du studio, M. Lewis était profondément concerné et activement impliqué dans la politique de son temps, en particulier en ce qui concerne la vie des Noirs américains. En tant que peintre, cependant, il a résisté à la pression de produire un art ouvertement politique, une attitude qu'il partageait avec les abstractionnistes d'avant-garde pour la plupart blancs de l'après-Seconde Guerre mondiale.

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Crédit...Succession de Norman W. Lewis; Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Dans les années 1960, cependant, il a réalisé des peintures faisant allusion au racisme dans le sud des États-Unis, et elles comptent parmi les œuvres les plus imposantes de l'exposition. American Totem (1960) présente des images semblables à des masques blancs compressées en une forme colonnaire arrivant à un sommet conique au centre d'un champ noir. Évoquant le Ku Klux Klan, il a une résonance puissamment mythique. Dans une peinture de 1961, des nuages ​​de marques rouges staccato sur un large champ blanc ne se configurent pas en une image reconnaissable, mais son titre le dit clairement : cela s'appelle Redneck Birth. Mais de telles références directes sont l'exception plutôt que la règle dans l'art de M. Lewis. Il a cherché la réconciliation et le salut par l'abstraction mystique.

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Crédit...Succession de Norman W. Lewis; Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, Philadelphie, Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

On peut se demander si l'œuvre de M. Lewis, considérée du point de vue strictement de 20epeinture du siècle, se classe parmi ceux des artistes les plus célèbres de sa génération, comme Clyfford Still, Mark Rothko et Jackson Pollock. Il a mélangé et assorti les conventions familières de la peinture moderniste avec un lyrisme sophistiqué, mais n'était pas un pionnier stylistique.

Considéré en termes d'histoire sociale de l'art américain, cependant, il est une figure importante, car, comme l'écrit l'historien de l'art David Driskell dans le catalogue de l'exposition, il faisait partie d'un petit nombre de peintres afro-américains de la nation travaillant de manière abstraite au temps, et il était parmi les rares artistes de couleur qui étaient représentés par une galerie grand public à New York. Selon la plupart des normes, il a eu une carrière réussie, que de nombreux artistes de son époque – et d'aujourd'hui – pourraient envier. Il expose régulièrement à la prestigieuse Willard Gallery de New York de 1949 à 1965, et il participe de son vivant à de nombreuses expositions muséales, parmi lesquelles l'Exposition internationale de peinture contemporaine de Pittsburgh (maintenant appelée Carnegie International) en 1955, et reçoit le prix Prix ​​de popularité pour un tableau de 1953 intitulé Oiseaux migrateurs. En 1975, il a reçu une bourse Guggenheim et en 1976, la Graduate School and University Center du City College de New York a organisé une exposition rétrospective.

Aurait-il eu plus de succès s'il n'avait pas été noir ? Peut-être. D'un autre côté, s'il avait été blanc, il aurait pu être aussi facilement oublié à titre posthume que l'ont été la plupart des artistes blancs de l'après-guerre. Avec la pression pour reconnaître les artistes noirs jusqu'ici sous-estimés animant les musées de nos jours, cette exposition - organisée par Ruth Fine, ancienne conservatrice à la National Gallery of Art, à Washington - offre une excellente occasion non seulement d'évaluer l'importance de M. Lewis et de son art. Cela pourrait également susciter une conversation sur le double rôle éventuellement contradictoire des musées : en tant qu'institutions démocratiques représentant le large éventail de la population américaine, d'une part, et en tant que juges sélectifs de ce qui vaut la peine d'être conservé et exposé d'autre part.

Procession : L'art de Norman Lewis se déroule jusqu'au 6 avril à l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, 128 Broad Street, Philadelphie, (215) 972-7600, pafa.org.

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Crédit...Raphaelle Peale, Musée d'art Nelson-Atkins

Le premier élément que vous rencontrez à Audubon à Warhol : L'art de la nature morte américaine est Venus Rising from the Sea — A Deception, réalisé par la Philadelphienne Raphaelle Peale vers 1822. Il représente un carré de tissu blanc suspendu en plis devant un peinture d'une déesse vraisemblablement nue. Le tissu semble si réaliste que vous avez l'impression de pouvoir le soulever et révéler la divinité qu'il obscurcit chastement. C'est une allumeuse sournoise d'une image, c'est une introduction instructive à un spectacle passionnant de 130 peintures et sculptures représentant des objets plus ou moins ordinaires datant du tournant du 19esiècle à 1974. Car qu'est-ce qu'une nature morte sinon la surface visible des profondeurs invisibles et insondables de la réalité matérielle ?

Organisé par Mark D. Mitchell, conservateur au Galerie d'art de l'université de Yale , l'exposition étend quelque peu la définition habituelle du genre. Dans un autre contexte, vous ne verriez probablement pas comme une nature morte Pennant's Marten (1814) de John James Audubon, une image extraordinairement vivante d'un quadrupède féroce, grognant et velu rendu avec un raffinement exquis à l'aquarelle, à la plume, à l'encre et au crayon. Mais comme Audubon a travaillé à partir de l'observation d'animaux morts disposés dans des poses réalistes, il s'agit au sens littéral d'une nature morte : une image de la vie figée.

Vers la fin de ce spectacle organisé chronologiquement, vous tombez sur Fontaine, le célèbre urinoir à l'envers de Marcel Duchamp (en l'occurrence une réplique de 1950 de l'original de 1917). Ici, vous pourriez vous demander quel sens cela a de voir cette farce conceptuelle comme une nature morte. En revanche, il est intéressant de considérer trois boîtes Brillo de 1964 d'Andy Warhol comme une sorte de nature morte, car ces sculptures n'ont généralement pas été vues dans cette catégorie. Ce ne sont pas des produits d'observation perceptive, mais ce sont certainement des objets qui éclairent la vie moderne.

L'essentiel de l'exposition est consacré à des peintures du 19esiècle et la première moitié du 20e qui tentent de représenter une expérience visuelle immédiate et le font souvent avec une maîtrise technique étonnante. Outre une multitude de photos de fruits et de fleurs, il existe de nombreuses œuvres formidables d'artistes bien connus, du 19esiècle trompe l'oeil maîtres William Michael Harnett et John Frederick Peto aux modernistes comme Charles Demuth, Georgia O'Keeffe et Gerald Murphy, dont l'échelle monumentale Watch (1924-25) représente les œuvres intérieures d'une montre de poche dans un aplati, proto -Style pop.

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Crédit...Collection privée

Certaines des pièces les plus frappantes sont celles de personnages moins célèbres, dont le plus intrigant est Edward Ashton Goodes, créateur de Fishbowl Fantasy (1867), une peinture d'une intensité hallucinogène. Avec une lucidité surnaturelle, il dépeint une paire de gros poissons rouges dans un bol de verre sphérique dont la surface reflète en miniature une scène de rue en plein air. Un tas de fleurs voluptueux déborde du haut du bocal à poissons, et le dessus de la table en marbre sur lequel il se trouve porte des vêtements de femme, y compris des gants de lavande, un éventail et une boîte à bijoux surmontée d'oiseaux sculptés posés comme s'ils s'embrassaient. C'est l'étoffe d'un roman victorien, une tranche de vie survoltée.

Audubon à Warhol: L'art de la nature morte américaine se déroule jusqu'au 10 janvier au Philadelphia Museum of Art, Benjamin Franklin Parkway à la 26th Street, 215-763-8100, philamuseum.org.

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Crédit...Rick Echelmeyer/La Fondation Barnes

Comme le savent les visiteurs de la Fondation Barnes, le fondateur de l'institution, Albert C. Barnes, collectionnait des objets simples, plats et en fer forgé et les présentait parmi les œuvres de peinture moderniste qu'il collectionnait. Il est donc tout à fait approprié que le Barnes présente dans sa galerie d'exposition temporaire cette fascinante sélection d'objets de la Musée le Secq des Tournelles, Rouen , une institution dédiée à la collecte et à l'exposition d'œuvres européennes en fer forgé. Ce spectacle de 145 pièces d'artisanat étonnant et d'imagination souvent fleurie comprend des clés, des serrures, des enseignes de magasins, des renifleurs de bougies, des heurtoirs de porte, des grilles de fenêtre, des plaques décoratives et des bijoux datant principalement du XVe siècle au XIXe siècle. Les amateurs de musées peuvent être habitués à ce genre de choses faites d'or et d'argent brillants. Les voir dans des noirs et des gris métalliques et rendus dans un matériau peu connu pour sa malléabilité ou son luxe est une révélation.

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Crédit...Musée Le Secq des Tournelles, Rouen

Force et splendeur : fer forgé Du Musée le Secq des Tournelles, Rouen traverse le 4 janvier à la Fondation Barnes, 2025 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphie, 215-278-7000, barnesfoundation.org.

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Crédit...Avec l'aimable autorisation de l'artiste

Poète, artiste visuel et artiste de performance qui vit à New York, Christopher Knowles (né en 1959) produit des œuvres dans de nombreux médiums différents qui tournent principalement autour du langage, auquel il se rapporte d'une manière inhabituellement concrète. M. Knowles, qui est atteint d'autisme, apporte à ses projets une sensibilité idiosyncratique, incroyablement polyvalente et contagieuse enjouée et une motivation créative manifestement imparable.

L'un des outils de création artistique de M. Knowles est la machine à écrire. En tapant en noir et rouge, il produit des motifs abstraits complexes, des images comme celle d'une montre-bracelet très agrandie et des listes de mots qui riment et de titres de chansons populaires. What I do on a Typique Day (2011), un paragraphe factuel racontant une série d'activités banales, a un effet comique et pince-sans-rire. Il crée également des collages audio percutants de mots et de phrases à l'aide d'un magnétophone à main et réalise des peintures audacieusement graphiques, comme une série de cinq toiles de tailles graduées de 2004, chacune étant une copie du tableau d'alerte terroriste aux couleurs de l'arc-en-ciel qui annonce les états de risque de faible à grave. L'exposition comprend une scène dont les murs et le sol sont recouverts de pages du New York Times et rythmés par des réveils et des mégaphones surdimensionnés, tous assemblés pour une performance intitulée The Sundance Kid Is Beautiful qui a eu lieu en novembre.

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Crédit...Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Julian Mommert

Faire l'expérience de cette exposition inspirante de plus de 100 œuvres (organisée par l'écrivain Hilton Als et Anthony Elms, conservateur en chef de l'institut), c'est faire un voyage mental dans un mode de conscience rafraîchissant et étranger. Cela pourrait reconnecter votre cerveau.

Christopher Knowles: In a Word se poursuit jusqu'au 27 décembre à l'Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, 118 South 36 e Rue, 215-898-7108, icaphila.org.